博宝艺术网访谈张东林访问录,巨擘的鞋的印痕

作者:艺术

信仰如此坚定,且一以贯之在眼拙的我看来,唯他一人而已。

张东林:西方绘画重形式,中国绘画重神韵,我这里简单谈谈中国画的欣赏要点,气韵生动是绘画的一种整体感应,气韵是画之魂。好的作品总是伴随着气韵而生,历史上流传下来的佳作,都具备气韵生动的特点;笔韵是中国画家追求的较高境界,驾驭线条的能力,也是衡量画家水平的关键,中国画的用笔必须有骨力,所谓笔力遒劲就是这个意思;墨是中国画的基础,以墨为主、以色为辅,是其中国画基本特点,中国画就是点、线与水墨的交融,形成的无数细微的渐变,墨无变化则僵滞死板;作品的构图要体现个性、呈现气势、和谐统一的整体画面。一幅作品境界的高低,构图非常关键,构图的好坏,对作品的成败起着决定性的作用。构图法则有其自身的规律,构图的来源是生活,是眼界,是修养,是格调。看画还要远观其势,近取其质,远看大势气韵,近看点线质量。欣赏的角度是多方位的,以上是简单的直观的欣赏方法,还需要具备一定的国画基本知识,对作品表现的内容和表达的主题的理解;以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等。

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若论创意之多和用力之勤,则无疑是他的山水画。古人云:行万里路,读万卷书。这句话恰好印证了他的十年山水画创作历程。在山水画创作方面,他初以小写意试笔,如《张家界印象》、《湘西山水》、《冬日太行》、《山村》等,构图相对严谨,笔、线、皴、擦、染处处留心。渐渐地他便放开了脚步,玩起了傅抱石一路的大写意,如《山村月色》、《蜀江烟雨》、《水中月影》、《雪景》等,笔墨酣畅淋漓,布局大开大合,意境幽深莫测。其中《大化》、《融》等作品,抽象表现意味渐浓,颇具实验色彩。值得一提的还有一部分具有了符号性和装饰意味的山水佳作,如《夜色》、《梦》、《星夜》、《山村夜色》、《林》等,如梦如幻,富有想象性,产生出了一种超自然的艺术魅力。这些山水作品,为他后来创作中所发生的大变局提供了有益的启示。

国画家张东林简介:

我至今仍坚持上述这些看法。这次有机会编辑、出版他的早期中国画作品,十分难得。我想换一个角度再来补充几句:

博宝艺术家网:作为一件绘画艺术品,您认为应该从哪些方面对其进行赏析呢?

若论成就,当以人物画为突出。除了获奖的《上学去》外,《女学生》、《放学路上》等,也都是佳作。值得一提的还有《春雨》,画面上以扫笔、淡晕造出潇潇雨势,又以红、绿相间的三、五把雨伞间接地托出在雨中疾行着的人物。还由于巧妙地选取了高视点的角度,所以直接托出人物的只是处在行走中的几双腿脚,正所谓窥一斑而见全豹,既含蓄生动,又合乎情理。其人物创作,似近于新写实一路。

现效果和绘画思想上轻视生活的内容倾向,元代山水画促成了中国绘画史上的大转变。

皇家国际官网,一个中国艺术家,由相对的传统形态而转入现代、当代形态,其间的逻辑线索(亦即上、下文联系),往往是自然而清晰的。这在近二、三十年的中国艺坛上,可谓屡见不鲜。申伟光为当代史的这一重要现像提供了一个佐证。

张东林:“笔墨当随时代”,是中国清代画家石涛的一句名言,“笔墨当随时代”的主张存在着三个方面的内涵。其一,所谓“笔墨”代表的是中国的传统文化,其二,所谓“随时代”,是对中国画发展问题提出的原则与标准,即传统的“笔墨”不能失去时代的气息与风貌。其三,笔墨也是物质、也是工具,这就如同西方的油彩一样,是表现“术”的载体。笔墨只有通过画家的艺术思维,才能够产生中国画独有的艺术魅力。从历史上看,每当中国画发展到一个新的时期,都会产生新的艺术表现与新的画风。如:隋唐之前,中国画的艺术表现均以线描为主,宋元之后,随着禅宗思想的影响,产生了写意的艺术风格。综合起来看,这些变化包括有技法风格的变化、题材的变化、人文精神的变化,以及绢本与纸本的变化等,这些变化都体现出了时代的特色,也正是因为有这种代表时代变化的艺术特点,其作品才得以传世。反之,抄袭、摹仿前人,脱离时代、毫无艺术建树的作品,逐渐被历史所淘汰。在中国画近现代中,虽然也出现了一些具有时代特点的作品,比如加进了一些油画的表现方法,或传统的中国山水画中加上了飞机、桥梁、高压线等现代物品,好象这种表现就是随时代了,如果仅仅以此是随了时代,那么,对中国画的 “笔墨”又哪里去了呢?“随时代”在艺术形式上要有变化,在“笔墨”的运用中也要与时代气息、风貌相符合。还有的画家为了“随时代”,将工艺美术的技能也用到了绘画中,比如水拓、柔纸、粘贴、或烫金贴银,从作品的表象看早已失去了“笔墨”的作用,又怎能称得上是绘画呢, 只能说是一流工匠的工艺品。中国画“随时代”不能离开中国传统文化,脱离了传统中国画就会失去她的艺术生命与价值。

无论今人还是后人怎么来评价申伟光其人,我都坚持认为:他是我们这个时代杰出的艺术家,而且是一位罕见的有着坚定信仰的艺术家。正是信仰,促使他一步一步地迈向了精神的高原(参见拙文《心灵的高原》,刊《库艺术》2010年8月号),而艺术亦反过来印证了信仰的伟力。我敢说:信仰与艺术,在他身上最终一定是合二而一的,互为表里、互为依存、互为印证。

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故而,编辑、出版这本画集,对我们深入了解申伟光、了解当代史的深层逻辑都不无裨益。

张东林:老雨,致远堂主人。1957生。安徽省蚌埠市人,中国美术家协会会员,安徽省政协委员,中国产业书画院常务副院长。毕业于天津工艺美院。先后师从赵树松、阮克敏、何家英、孙本长诸先生;主攻山水,亦涉足人物、花鸟。作品曾多次在“中国美协”主办的全国大型画展上获奖,在《美术》、《国画家》、《美术报》、《中国书画报》等专业媒体上刊登,其画作被收录在天津杨柳青画社出版的《现代工笔画精选》、《当代工笔画》、湖南美术出版社出版的《中国工笔画(1900-1997)》、《教学示范中国画-工笔山水画》,安徽美术出版社出版的《二十一世纪全国高等艺术院校美术教材——中国画山水》等书及教材。并独立编写了由天津杨柳青画社出版的《中国画技法丛书·水墨山石画法》、《中国彩墨山水画技法》、《中国画基础教程》等。

众所周知,如今的申伟光以油画名世,已很少有人知道,他原本是学中国画的。中国画是他艺术人生的真正起点。自上世纪八十年代至九十年代初,在十多年的时间,他孜孜矻矻地耕耘着,且涉及了花鸟、人物、山水三个不同的领域。

张东林:我比较喜欢宋元时期的山水画。宋代美术,由于继续了唐五代的风气,脱离了世俗的绘画观念,使其得到了独立的发展。宋元是中国古代山水画的鼎盛时期,体现了我国古代山水画的艺术成就和审美特征。据《图画见闻志》《宣和画谱》《画继》《图绘宝鉴》所载统计,仅画家就有180余人。题材、内容广泛,水墨、淡彩、青绿巧整点缀,皴法、构图、题款各具特色。其分类主要有青绿山水、浅绛山水和水墨山水三种,分别以工笔或写意的技法形式予以表现。元代山水创作在画法上追求一种古拙质朴、温韵典雅的画风,倡导“书画同源”的笔墨意境,强调笔墨的艺术趣味与艺术表现力。元代后期的山水画创作者多是为躲避元末纷乱而避居的道士或隐士,由于画家的不同遭遇及文人画的确立,更注重笔墨意趣和个人风格,注重写意和情感的抒发,追求“情景交融”的意境。他们在艺术上提倡“高雅”、“平淡天真”,理论上主张“逸笔草草”“不求形似”“聊写胸中逸气”等。元朝时期的绘画,最引人注目的是水墨山水的发展,特别是在笔墨技法上注重表

十八年前,我在写他的第一篇文章《十年磨剑论申伟光艺术的三个境界》中,对他的部份中国画作品是这样评述的:

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若论生活情趣,《上学去》无疑是一幅佳作。那乡里的莘莘学子,或独行,或成双,或三五成群,他们在寒风中踏雪远去的情景,难免会让人感喟一番的。在构图上,艺术家夸大了远小近大的原理,从而增加了画面的情趣。那粗大茁壮的树干便也成了蓬蓬勃勃的生活符号。若论传统意韵,《春雪》可为代表。该画为立轴式、三段体,远处(上段)有几条撒欢的野牛,与近处(下图)疏朗的枯枝、顽石构成对比,中段留空,并略加渲染,给人以空灵的遐想,笔酣墨畅,耐人寻味。若论境界和创意,《相忘于江天》和《雪》可为代表。前一幅画面上江天寥廓,苍茫凄迷,后一幅画面上则元气氲氤,高旷激扬。画法由大写意而变为细心描绘、大胆收拾,并增加了以渲染代写的成份。这些带有了新写意特征的作品不仅突破了传统图式,而且越来越趋向抽象艺术。

是为序。

若论笔墨、情趣,花鸟画是他最得意之笔。常常是寥寥几笔,就把对象的特征抓住了,且生意十足(此中颇见李苦禅笔意),如他笔下的八哥、稚鸡、猪、羊、野鸭笔墨老辣而有野趣,晕染适度而显灵动。花花草草的构图则简约而大胆,惯于奇险中求得平衡,如《鸡冠花》、《秋菊》、《秋荷》等。荷是他常画的对象,其中尤以《白荷》(1986年)为佳,满幅构图,以浓墨写出荷塘的浓密与繁茂,再以亮色托出荷苞、花朵的高洁与晶莹,可谓对比鲜明,相得益彰。

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